Oasis - Be Here Now (1997)

Antes que nada voy a hacer una aclaración con respecto a la ausencia de los aqui posteadores: en este momento mi colega y yo estamos decididamente abocados al estudio (uno preparándose para una residencia y el otro estudiando materias de enorme poder inflamable sobre los cerebros para encarar su último año de carrera universitaria) Esta actividad desgastante lamentablemente no nos deja todo el tiempo que nos gustaría para poder darles posts que resulten atractivos y que nos den la satisfacción de hacer un buen laburo. Entonces antes de hacer reseñas o comentarios de pocas lineas preferimos guardarnos un poco y juntar las ganas de para hacer pocas pero suculentas entradas. Siempre tenemos a mano la posibilidad de postear algún video via Youtube pero lo ideal es acompañarlos con algo interesante para decir (tal como lo hace Dario en Viaje Secreto) Así que seguramente en estas semanas estaremos de manera esporádica por acá pero confiando en que uds comenten y se cree una interacción entre todos los visitantes mediante puteadas cruzadas, insinuaciones sexuales y liturgia peronista.

Agora si, vamos a lo que realmente importa que es the music!:En esta ocasión tenemos a un disco 'hypeado' y bastardeado en partes iguales.

Artista: Oasis

Album: Be Here Now

Año: 1997

-La previa:

''Be here now'' es el tercer disco de estudio de Oasis y fue editado el 21 de agosto de 1997 en el cenit de la popularidad mundial de la banda de los hermanos Gallagher, quienes por esos años afirmaban que estaban en la mejor banda del mundo y hasta se atrevían a insultar a sus idolos y colegas como Paul McCartney o Damon Albarn. La expectativa que rodeaba al lanzamiento de la banda del momento fue alimentada por los escandalos en los que se metían los hermanos Gallagher por sus pomposas declaraciones a la prensa sumado a una movida de marketing que se caracterizó por el misterio y la grandilocuencia, al punto de que varios medios comparan la expectativa con la ocurrida en la ocasión del lanzamiento de ''Sgt's Peppers Lonely Hearts Club Band''.

Lo cierto es que desde de la banda y los medios se planteaba que el tercer disco de Oasis debía ser una obra maestra definitiva. Motivos no faltaban: los dos primeros discos ya en ese momento eran clásicos subidos a caballitos de batalla como 'Supersonic', 'Wonderwall', 'Live Forever' y 'Champagne Supernova' entre otros (de hecho repasar la lista de temas de ambos discos directamente da miedo por la cantidad de temas geniales que hay ahi) Noel Gallagher hasta ese momento se había destacado como un gran compositor de hits que en un par de años había adquirido una especie de Toque de Midas que hasta convertía a sus lados B en joyitas (sino chequear ''Take me away'' o algunos tracks de la recopilación ''The Masterplan'' posterior a nuestro disco de hoy)

-El disco:

Be here Now arranca con el primer single que sonó en las radios ''D'you know what a mean?'' y que da una pequeña muestra de lo que es el disco: la introducción consta de 2 minutos de distorsión, código morse y guitarras pasadas al reves hasta que finalmente la canción se encauza a un estilo más familiar de lo que la banda venía haciendo. La grandilocuencia marca Gallagher está presente en la linea ''I met my maker/i made him cry/and on my shoulder/he asked me why''. Visto en retrospectiva la elección de esta canción como single puede sonar descabellada: 7 minutos y 42 segundos la componen, y ni un sonido le fue quitada a la hora de ser editada y transmitada en video o radio... claro que para tener siempre una 'big picture' del asunto uno no se debe olvidar del contexto y esto es una prueba de ello: el simple trepó hasta el tope de los charts en Inglaterra.

Para el segundo track la cosa no cambia demasiado, 'My big mouth' arranca con la distorsión y capas y capas de guitarra que acompañan al desafiante estribillo que reza: ''My big mouth/my big name/Who'll put on my shoes while they're walking/Slowly down the hall of fame?'' En tercera posición tenemos 'Magic Pie' el único tema de la placa en el que Noel toma las riendas vocales y que vuelve a repetir el código morse hacia el final mientras se mezcla con un melotrón. Según cuenta la anécdota estaba la indecisión en la banda sobre si 'Magic Pie' o 'Stay Young' debían integrar el tracklist del disco y lo que finalmente inclinó la balanza hacia la primera fue el hecho de que Noel, único compositor hasta ese momento, fuera el cantante de la pieza. El cuarto tema es 'Stand by me', que ya todos conoceran y lo único que vamos a agregar es que aún recuerdo la versión acústica en la pileta con Liam, Noel y Alan White pandereteando

Promediando el meridiano imaginario del disco nos encontramos con una seguidilla que en lo personal me resulta de lo más entretenido e interesante del disco. Empezamos con 'I hope, i think, i know' que a pesar de seguir con la tónica de tener las guitarras bien arriba, parece seguir un poco más la linea melódica de los primeros dos trabajos en clave pop. A continuación nos topamos con 'The girl in the dirty shirt', una cancioncilla dedicada a una señorita con la remera sucia y que por momentos nos puede tranquilamente recordar a los Beatles... ya se que me dirán que casi cualquier tema de Oasis podría hacerlo pero este vale la pena que se parezca. Para terminar con este pequeño pasaje de favoritos nos topamos con 'Fade in-out', canción que hoy en día estoy seguro que no está dentro del registro de nuestro amigo Liam y que arranca con algún dejo 'desértico' (a mi me remite a eso) y psico-folky para terminar de explotar y volverse una bola de demolición de sonido.

Encarando la última parte del disco tenemos otro corte de difusión 'Dont go away' sobre el que no vamos a extendernos para pasar a 'Be Here Now' que fue uno de los temas que sonaron en el Luna Park durante la primera visita de los 'mancunians' a nuestro país y que seguramente aportó mucho al pitido que muchos cuentan que sufrieron los días posteriores al ruidoso recital. El track número 10 es quizás la mejor ilustración de lo que es este disco: 'All around the world' es una épica 'melange' de casi 10 minutos y con tres cambios de tonos a lo largo de su duración. Un tema grandilocuente con orquesta de fondo, video con caricaturas 'Yellow submarine'' style y un reprise en el track 12 para cerrar el disco. Cuenta la leyenda que Noel tenía este tema compuesto mucho antes de editar el primer disco de la banda y que no había decidido grabarlo porque su disquera no contaba 'con el presupuesto suficiente' para llevar a cabo lo que él tenía en mente. Para cerrar está 'Its getting better (man!!)'' con unos 7 minutos de duración algo inexplicables ya que la canción parece repetirse una y otra vez para naufragar en guitarras superpuestas (algo que se repite a lo largo del disco)

-Memoria y balance:

El disco en primera instancia tuvo una buena recepción tanto del público como de la prensa, que llegó a explotar la Oasismania a niveles ridiculos, de hecho recuerdo una nota del Si! que contaba donde quedaba el hotel donde había sido la sesión fotográfica para la tapa del album. El asunto de la tapa también es ilustrativa del disco: en primera instacia estaba la idea de hacer una sesión para cada integrante en un punto diferente del globo, pero como la idea parecía ser muy cara... optaron por hundir un Rolls Royce en la pileta del hotel (!) A esta pomposidad se le sumó el hecho de poner la fecha del lanzamiento del disco en la tapa y en el interior del disco.

Pasada la vorágine del lanzamiento tanto la banda como los medios especializados se dedicaron a despedazar y criticar al disco, calificándolo como una suma de ruido inducida por la ingesta descontrolada de cocaina (definición que quizás no esté muy lejos de la realidad y que aún así resulta demasiado peyorativa para el disco.. no sin mencionar que podría calificar para una cantidad enorme de discos de rock)

De todos modos yo tampoco estoy exento de esa relación amor-odio con este disco. Puedo recordar escucharlo incansablemente durante meses cuando lo compré, para un día no poder casi ni mirarlo en mi repisa de discos y más tarde retomarlo y descubrir cosas interesantes, and so on...

The Black Heart Procession - Amore del Tropico

Esta banda llegó a mis orejas por la buena onda de Alfredo Rosso en contestarme hace algunos años qué bandas nuevas consideraba dignas de ser escuchadas. Mencionó The Black Heart Procession y otra más que no recuerdo cuál era, pero si que ya la conocía.
Ahí nomás me compré (ejem!) dos discos de ellos. Aquí les traemos Amore del Trópico (2002), un álbum muy bueno, centrado en el desamor y las cosas de la vida y el querer (?)

El disco tiene una brevísima apertura nombrada The end of love, título que ya nos dice algo de lo que va a venir.
Tropics of love es genialmente tenebrosa. Unos ritmos similares a una bossa y un piano alla centro américa, pero mucho más oscura (¿alternative dark bossa?). Tiene una melodía difícil de olvidar una vez escuchada. Parecerá de lo más familiar, a pesar de ser nueva. Freud diría Unheimlich, cuando lo familiar se torna siniestro, o el retorno siniestro de aquello tan íntimo. Eso parece esta canción y en representación del disco entero.
Broken World es una especie de balada triste, desesperanzada, y Why I stay, sigue en la misma línea depresiva, pero con un cambio rítmico respecto a los temas anteriores.
The invitation tiene una letra corta, pero no deja de ser buena por eso. A esta altura quedo confundido y se abre la posibilidad si el desamor llevó al protagonista a matar a su amada y guardarla en el sótano o qué.
Did you Wonder es un poco más up tempo, pero no por eso la letra es menos oscura. “Did you ever wonder why we bother sometimes?” remite al poco sentido del amor y la vida, si al final, todos terminamos igual.
Los siguientes temas recorren el mismo tópico y musicalmente son similares. A veces las letras son más crípticas, otras no tanto. Personalmente, no estoy seguro de lidiar con un corazón roto, melancólico y depresivo, o con una psicosis, que prefiere matar a su chica porque en vida no hace más que recordarle lo nimio de la existencia y el amor.
Before the people trae como novedad una percusión particular, mientras que lo nuevo en Only one way es un toque más optimista en lo que respecta a la música, con guitarras y teclados más despiertos (en comparación al resto del disco, claro).
Fingerprints se destaca en cuanto a la composición y arreglos, con cuerdas, coros y una maravillosa distribución de los sonidos en stereo. Ideal para escuchar con auriculares.
La canción que cierra el disco, The one who has disappeared, lo pone al individuo (aquel que no tiene nombre) frente al abismo de ser invisible a los ojos de ella. Parece aclararse un poco el panorama acá, haciéndose cargo de lo que no funcionó y pidiendo disculpas.



En resumen, Amore del Tropico es un excelente disco para escucharlo solo, tranquilo y tirado en algún lado. La música es muy buena, siguiendo una idea conceptual a lo largo. Tiene un toque original en el sonido, como dije antes, que se vuelve familiar enseguida.
Creo que tiene algunos temas de más en el medio, pero no hacen problema realmente.
Hundite en las oscuras aguas de The Black Heart Procession acá.

Soundgarden - Badmotorfinger

Artista: Soundgarden

Album: Badmotorfinger

Año: 1991

Pensé que ya había subido este disco porque lo había ripeado del cd (original, no se enoje don discográfica) a mp3, pero en realidad lo había hecho luego de presenciar el gran recital que brindó Chris Cornell en el Personal Fest (si, ese de los tiros y los acuchillados) Esa noche, el bueno de Chris no escatimó en gritos inhumanos, registros imposibles y potencia ensordecedora. Y si hay algo que tiene esas características es, sin lugar a dudas, este disco de Soundgarden editado en 1991 en el momento de mayor popularidad del grunge potenciado, obviamente, por 'Nevermind' de Nirvana. Antes de este disco además se había dado la incorporación de Ben Shepperd en las cuatro cuerdas de la banda y que a la postre le daría bastantes réditos musicales ya que el bajista contribuiría con varias composiciones.


Pero para empezar el disco que mejor que dos canciones de don Cornell??? arrancamos con 'Rusty Cage' canción que hizo en su recital porteño y que lamentablemente mi compañero de blog no pudo presenciar (y pensar que soñabas con tocar este tema y que yo lo cantara... jajaja) Qué se puede decir de 'Rusty Cage'??? que tiene un riff repetitivo que mete quinta a fondo? que Cornell la gasta cantando y que hasta hay un solo de bajo en el medio?? que el final poniendose más pesada aún la descoce?? alcanza con eso?? claro que no, hay que escucharla (si es que no lo hicieron hasta ahora) La siguiente es la ENORME 'Outshined' (de pie señoras y señores!) otro tema que sonó en el Personal y que cumplió un sueño idem. Recuerdo que Chris Martin de Coldplay dijo en una entrevista que las voces de este tema le parecían increibles y aunque le creo, no me lo imagino intentando cantar esta canción. Pequeño fetiche adquirido: el leve cambio de ritmo que meten hacia los 4 minutos 40 segundos.


De todas formas es más probable ver a Chris Martin intentando cantar 'Outshined' que el tercer track: 'Slaves and Bulldozers' es directamente salvaje y nos hace acordar porque por momentos se decía que Soundgarden era el Black Sabbath de los 90. Música pesada, con una voz endemoniada aullando.. hagan las cuentas y no estamos tan lejos en los dos resultados. Me sorprendió escuchar este tema en el Club Ciudad de Buenos Aires, de hecho pensé que nadie jamás se animaría a cantar esta canción en vivo... pero Cornell demostró tener su voz intacta, y además tuvo el gran tino de no hacerla enterita porque sus casi 7 minutos de furia por momentos se vuelven demasiado si uno no anda con el humor apropiado. Siguiendo con la veta aparece 'Jesus Christ Pose' con su bateria machacando desde atrás, como empujando los riffs y palm mutes con distorsión que hacen las delicias de chicos y chicas de la generación X. Gran trabajo de Kim Thayil en la guitarra para crear un clima asfixiante por momentos, en definitiva un tema no apto para claustrofóbicos que además no tengan ganas de hacer pogo con lo primero que se les cruce por adelante (sea tu perro, tu abuela en silla de ruedas o simplemente una pared)


En 'Face Pollution' Soundgarden retoma su costado más punky, aunque obviamente le agregan riffs y ese sonido tan característico de la banda al que esta ocasión se le complementan algunos vientos. Acto seguido se presenta 'Somewhere' que por momentos uno la siente hasta 'radiable' pero promediando el tema se va volviendo más un instrumental que va y vuelve y que finalmente nos deposita en 'Searching with my good eye closed' (gran título por cierto!) cuyo introducción es bastante particular y que nos enseña como suena el mismisimo demonio. De todas formas arranca como para llevarse todo puesto pero es otro tema que va mutando y cambiando de tiempos y climas. El que si se lleva todo por delante es 'Room of a thousand years' que con el grito del comienzo directamente dan ganas de ensuciarse los lienzos, pero no lo hagan porque sino se van a perder la voz casi heroica de Cornell diciendo 'tomorrow begins tomorrow' en todos los registros que se imaginan y más aún. Al final se suma un saxo que, por qué no?, hasta me hacen acordar a los Redondos (si lo dije y quizás sea una burrada.. igual hablo del saxo ahi puesto y no del sonido)


En el noveno casillero aparece mi tema favorito del disco: 'Mind Riot' una canción que plantea desde su letra un escenario devastado y solitario que lo corona con la frase ''canddle's burning yesterday/ somebody's best friend died/ and i've been caught in a mind riot''. No queda mucho más que agregar despues de esta canción pero los temas restantes ameritan algunas palabras. Así tenemos 'Drawing flies' cuya música fue compuesta por el baterista Matt Cameron (actualmente en Pearl Jam) y que tiene una vez más un apoyo en los vientos. Luego seguimos con 'Holy water' que nos da otra muestra gratis de todo lo que puede dar la voz de Chris Cornell, que también se luce en 'New Damage', otra de tintes pesado-épico que alguna vez grabaran junto a Brian May para un disco a beneficio


Supongo que varios de los visitantes del blog poseeran o habrán escuchado este disco, sino los insto urgentemente a que lo hagan porque no saben de que se pierden


Además queda abierto el debate: cuál es/fue el mejor cantor del grunge???

QOTSA- Rated R

Artista: Queens of the Stone Age

Album: Rated R

Año: 2000

Hace un tiempo nuestro amigo y colega Tucho, nos recordó y ofreció un gran disco de Queens of the Stone Age y automáticamente recordé como empecé a escuchar a esa banda: 'Songs for the deaf' data del 2002 con el video 'No one knows' rotando a full por MTV. Al gran tema y video sumenle a una debilidad musical personal: Dave Grohl; por lo tanto la intriga estaba latente. Lo peculiar del asunto es que a fines de ese año quien sabe porque cuernos en Musimundo habían cassettes en oferta... sisi, escucharon bien: cassettes (para los que no los conozcan ERAN unos aparatitos chiquitos con cinta que grababa y reproducía música y sonidos... como un cd pero mas incómodo) El asunto es que el mp3 comenzaba con su auge pero no era lo que se daba hoy en día, el CD no estaba muerto aún y el cassette hacía rato que había fenecido. No obstante me pareció una buena oportunidad para adquirir material de una banda sobre la que no tenía mucha información. Ese material era 'Rated R' disco del año 2000, del cual había leído buenas referencias.

Lado A:

Lo cierto es que ya desde el comienzo podemos percibir que algo diferente pasa con este disco: ''Feel good (hit of the summer)'' machaca un decálogo de algunas drogas, que seguramente han sido ingeridas al hacer este disco, tales como: nicotina, valium, vicodin, marihuana, extasis y alcohol para estallar con un frenético: ''co-co-co-co-caine!'' Todo esto con las cuerdas vocales de Rod Halford al mando. A continuación tenemos ''The lost art of keeping a secret'' una especie de 'hit' del disco, que cuando lo escuche por primera vez me di cuenta de que ya lo había escuchado, lo cual ya justificaba holgadamente la compra del casec. Hasta acá todo medio pesuti, cumpliendo con las expectativas y preconceptos que uno tiene (o tenía) sobre como debía sonar esa banda pero con el tercer tema todo se va un poco al carajo: 'Leg of lamb' es definitivamente enfermizo, con sus riffs que no son tan claros porque parecen ser una convergencia de ruiditos salidos de varios lugares y ni hablar del mini solo de guitarra. En continuado aparece 'Autopilot' un gran tema con Mark Lanegan poniendo su garganta arenosa y que podría ser utilizado como un buen ejemplo para dar cuando se nos pregunta como suena el 'dessert rock' de estos muchachos, una mezcla de guitarras electricas hipnóticas, con pasajes acústicos y una cadencia de serpiente.

Así, casi sin respiro llegamos a ''Better living through chemistry'' y a esta altura (o luego de este tema) podemos tener la certeza de que estamos ante un gran disco (o por lo menos que esos 5 mangos pagados durante la crisis valieron realmente la pena). Podría decirse que este tema es más 'stoner' pero solo por momentos: cuenta con riffs 'volados' y en ciertos momentos con la guitarras bien adelante pero no llega a ser heavy sino que pega más el costado psicodélico con las voces en fade in- fade out y volviendo al riff inicial de guitarra con percusión de fondo. Para cerrar la primer mitad del disco nos queda 'Monsters in the parasol' que vuelve a mezclar lo pesado, con riffs intrincados y demás condimentos para vuestro deleite

Lado B:

Arrancamos con ''Quick and to the pointless'', un tema que cierra con la imagen de esa época de Nick Olivieri: pelado, cara de loco y una chiva kilométrica. Este tema tiene las guitarras distorsionadas con las quintas a full y al bueno de Nick (si no me equivoco) aullando como un loco mientras un coro de niñas? acompaña por momentos. Para 'In the fade' bajamos unos cuantos cambios, al menos al principio y tomando como referencia el tema anterior. Lo cierto es que acá también el amigo Lanegan se luce con las lead vocals de un buen estribillo que termina desembocando en un reprise de ''Feel good...''. A continuación volvemos a galopar fuerte con 'Tension head' que tal como su nombre lo expresa es una canción definitivamente enfermiza, a la par de ''Quick and to the pointless'' e ideal para cagarse a palos con 2 o 3 energumenos como uno. Y para seguir con el ambiente de montaña rusa aparece 'Lightning song' un instrumental hecho con acústicas y percusión. Estos dos minutitos nos preparan para el grand finale: ''I think i lost my headache'' que empieza como una especie de vals ezquizoide, para luego perder la parte del vals y arrancar con unas guitarras que construyen esos climas simultaneamente pesados por la distorsión y livianos por el clima psicodélico de algunos riffs. Al rato arremete con el valsesito para ir desarmando la canción hasta dejar a unos vientos repetir incansablemente el leitmotiv de la canción... dentro de ese delirio es que termina este gran disco de los QOTSA, totalmente sorprendente por sus climas, experimentación y contundencia, y al que seguramente estas palabras no lleguen a hacer honor, así que escuchenlo y no sean caretas(?)

pd: siempre me parecieron geniales los nombres de las canciones, en especial ''i think i lost my headache'' o ''better living trough chemistry''

Clasiqueros: Emerson, Lake & Palmer - ELP

El disco triple me demandaba mucho tiempo, así que opté por sacar este clasiquero para cumplir con la gente (?) y más adelante traer el triple.




Artista: Emerson, Lake & Palmer
Album: Emerson, Lake & Palmer
Año: 1970

Grupito de aquellos E, L & P. Me acuerdo la primera vez que los escuché y me rompieron la cabeza, fue algo completamente nuevo para mí.
Este es su disco debut, de 1970, y justamente para ser un debut, la rompe.
La banda, obviamente, está compuesta por tres genios: Keith Emerson, tecladista prodigio de la banda The Nice; Greg Lake, bajista y cantante del mejor King Crimson; y finalmente Carl Palmer, batero de Atomic Rooster, un background menos conocido que sus compañeros, pero que será compensado mediante música.
Estos tres muchachos se juntaron y dijeron: “Che, ¿y si hacemos un disco progresivo de puta madre?”, parece que todos estuvieron de acuerdo y así fue.
El disco arranca con The Barbarian, un instrumental muy polenta que ya demuestra la calidad de los ejecutores. La fabulosa percusión de Palmer y el virtuosismo de siempre de Emerson están presentes aquí, y Lake se les suma con una guitarra podrida que le da su toque pesado al tema y un bajo que no por dejar de ser virtuoso es ineficaz. Toman secciones de una obra de Bartok para dicho tema.
Take a Pebble toma la posta. Un temita de unos 10 minutos, que empieza como una canción low tempo. Por primera vez escuchamos la voz de Lake, que cumple más que bien su función. A los dos minutos y algo, sube un poco el ritmo de la mano de los teclados y un bajo bien presente. Nuevamente a los pocos minutos se calma todo nuevamente (¡a subir el volumen acá!), guitarras acústicas muy tranquilas, y de repente… aplausos y un ritmo ala country/folk. Momento... otra vez no dura mucho el cambio, Lake vuelve a juguetear con la acústica por un rato hasta que Emerson le arrebata el spotlight y se manda un solo hermoso, más tirando a lo clásico con toques jazzeros de a ratos, para luego sumarse la batería y el bajo nuevamente y traer lo progresivo a escena.
Knife Edge es el tercer tema, por ahí sea el más “pegadizo” del disco exceptuando Lucky Man. Sin perder lo progresivo, se inclina más a la canción de parámetros normales, guiada por la guitarra, pero sin excluir los solos de Emerson que tanto nos gustan. Un muy buen tema realmente, que por ahí sepan apreciar primero los no familiarizados con este tipo de bandas.
Sigue The Three Fates, tema dividido en tres subpartes: Clotho, Lachesis y Atropos. Este es el gustito personal de Emerson. Es prácticamente un solo de casi 8 minutos. Claro que varían bastante los movimientos y está acompañado ocasionalmente por sus compañeros de ruta. Recomiendo altamente la escucha de este tema, aunque pueda ser un poco excesivo de a ratos.
Cuarto tema: Tank. Qué lindo cuando suenan todos juntos! Excelente. Escucha obligada de cualquier baterista ya que acá el gustito se lo da Palmer con un extenso solo en el medio. Para el resto podría ser un poco aburrido, pero el antes y el después del solo hacen que todo valga la pena.
Lucky Man, quinto y último tema. Como pueden imaginarse, acá el gusto es de Lake. Compuso una hermosa balada, que fue hit en muchas radios. Por más que sea una excelente canción, por ahí da la idea equivocada de lo que fue E L & P. Hay que seguir el orden justamente: escucharla al final del disco y luego deleitarse y cantar (mientras agitamos la remera) “uhhh what a lucky man.. he waaasss”

Puntaje: 4/5

Tracks recomendados: Son solo 5! todos carajo!

Acá pueden escuchar este disco que por ser el nacimiento de una leyenda y de la consagración de tres genios del rock progresivo, ingresa a la elite de los clasiqueros.

Mi hijo el dotor

Sras y Sres: por la presente quiero felicitar oficialmente a mi colega posteador de este blog que hoy se ha recibido de su carrera de grado en Psicología
Así que de ahora en más el 'Dr.' del nick no está de más (acá no somos blumberistas(?))
Salud.. y ya no quedan excusas para no postear joputa!

Pronóstico: probabilidades de depresión masiva en el cono sur

¿Será verdad? ¿Vendrán Yorke y sus secuaces?

Probablemente sea uno de los grupos más esperados por estas tierras ("La mejor banda del mundo" dicen algunos). Aunque muchos aún no lo crean, parece que Radiohead viene el año que viene a la Argentina!

La noticia corrió por los dichos de Ed O´Brien, guitarrista de la banda, en una entrevista con un medio inglés. Allí expresó los deseos de la banda de visitar Japón y Sudamérica, especialmente Brasil y Argentina, a mediados del año entrante.

Así que ya saben muchachos! A mediados del año que viene, el recital más depresivo de la historia de la música en Argentina. Ya puedo escuchar los comentarios al salir del show: "Lloré todo el puto recital.. qué bueno estuvo!" o discusiones acerca de a quién miraba Thom, si a "mi o a vos", resolución dificultada por el principio de síndrome K del buen hombre.

Solo quedará esperar la confirmación y a comprar la entrada.

Aquí, más información y un link al audio de la entrevista.